« Nous nous assurons de couvrir le moindre aspect du spectre musical du groupe » Interview avec Rou Reynolds, chanteur d’Enter Shikari

À l’approche de la sortie tant attendue du nouvel album d’Enter Shikari le 21 juin, nous avons eu le privilège d’interviewer le chanteur emblématique du groupe, Rou Reynolds. Comme notre emo adorée aka Maddollsparty en a réalisée une pour Vecteur magazine, nous avons fait appel au streamer Bakared. Grand fan du groupe, il a accepté avec enthousiasme de mener cette interview. L’occasion d’évoquer les conditions particulière de l’enregistrement, ses premiers pas en tant que réalisateur de clip et son opinion sur le sujet brulant des taxes sur le merch.

Bonjour ! Ravi de vous rencontrer.

Rou: Ravi de vous rencontrer également ! Comment allez-vous ?

Je vais bien. Merci pour le temps que vous me donnez. Comment se passe votre journée ?

Bien. Ouais, je viens juste de faire beaucoup d’interviews. J’ai commencé tôt ce matin avec des pays asiatiques. Maintenant, je suis revenu en Europe, ça se passe bien.

D’accord, Journée chargée ! Très bien, continuons. Tout d’abord, je suis un fan depuis quelques années maintenant. Je dois dire que j’aime vraiment l’album. Peut-tu nous en dire un peu plus sur la façon dont vous avez travaillé dessus ? Comme j’ai entendu dire que vous avez enregistré dans une ferme, par exemple

Nous y sommes allés une fois que la musique était écrite, nous avons trouvé une très vieille ferme délabrée sur la côte sud de l’Angleterre. C’était sur Airbnb et nous avons contacté le propriétaire et il a dit : « Oh merde, ce n’est pas censé être sur Airbnb. Désolé. » Et il a essentiellement essayé de nous persuader que nous ne voulions pas rester là-bas. Il a dit : « Oui, c’est très vieux, il fait très froid, c’est hors réseau. Il n’y a pas de chauffage central, il n’y a pas de système électrique central. Les murs s’effondrent. C’est au milieu de nulle part. » Et nous avons répondu : « Non, c’est parfait. »

C’est exactement ce que vous vouliez.

Ouais. J’avais lu Walden de Henry David Thoreau et j’étais très inspiré, je voulais vraiment partir comme lui dans les bois et vivre un peu hors de tout pendant que nous faisions l’album. Et donc, cette maison semblait parfaite. Nous avons donc réussi à convaincre le propriétaire que c’était ce que nous voulions. Nous sommes descendus et c’était sur la côte sud de l’Angleterre, près de Chichester. C’est un peu comme de vieux champs de ferme, des petites parties boisées. Tous les jours. Il y avait des cerfs à l’horizon. C’était très pittoresque, vous savez, très romantique. Et c’était complètement hors réseau electrique. Donc c’était alimenté par l’énergie solaire. Ce qui est génial parce que c’est ce que nous voulions faire, un album alimenté par des énergies renouvelables. Mais c’était aussi difficile parce que, par exemple, on ne pouvait pas faire bouillir une bouilloire et enregistrer une guitare en même temps.

Oh vraiment ? Parce qu’il n’y avait pas assez de puissance ?

Oui, c’était amusant. Nous avons donc dû planifier nos journées.

Ça doit être vraiment difficile à faire, pour être capable de planifier l’enregistrement avec ça.

C’était une expérience vraiment saine. Vous savez, nous avons dû couper du bois pour les poêles à bois pour nous tenir chaud. Nous avons dû cuisiner les uns pour les autres. Nous étions juste nous quatre et notre ingénieur, George. C’était bien parce que c’était autre chose, vous savez, c’était juste après le confinement, donc nous voulions nous connaître à nouveau, vous savez, nous reconnecter. C’était donc une belle expérience.

Est-ce que cela a quelque chose à voir avec l’album ? Lorsque vous êtes arrivés à la ferme, le disque était-il entièrement écrit, toutes les paroles, toute la musique, tout était écrit et vous l’avez simplement enregistré, ou cette expérience s’est-elle insufflée dans l’album et dans ce qu’il est maintenant ?

Les 75% de la musique et des paroles étaient écrites. Donc, j’étais en train d’écrire quand nous étions là-bas. Mais j’aime essayer de séparer les deux un peu. J’aime avoir une chanson complètement finie avant de l’enregistrer pour que je puisse enlever mon chapeau de compositeur et mettre mon chapeau de producteur. C’est juste plus facile, mais ça ne se passe jamais comme ça. Je suis toujours obligé d’aller et venir. Donc, oui.

Quel est le processus lorsque tu écris un album comme ça ? Est-ce que tu es dans la composition et ensuite tu ajoutes les paroles ou est-ce que les gars participent ? Quel est le processus ?

Eh bien, en général, je fais juste une démo moi-même, puis je la montre aux gars et nous travaillons dessus. Pendant une longue période, nous décidons quelles chansons nous voulons mettre sur l’album. Nous commençons généralement par enregistrer un enregistrement avec peut-être 50 pistes. Nous le réduisons à 10 ou 15 finales ou quelque chose comme ça. Donc, c’est assez difficile car, vous savez, chacun de nous aura probablement ses préférées ou se sentira connecté à différentes chansons. Donc, c’est difficile. Mais la chose principale est que nous aimons nous assurer, c’est que nous avons un album très varié et que nous avons couvert tous les petits coins du spectre musical qu’Enter Shikari. C’est généralement la principale priorité pour choisir les pistes pour un album.

D’accord. C’est aussi quelque chose que je voulais aborder. Au début, quand j’ai écouté l’album hier pour la première fois, j’ai eu l’impression que c’est comme le meilleur de tout ce que Enter Shikari a fait ces dernières années. J’ai vraiment eu l’impression qu’il y avait beaucoup d’aperçus ici et là. Des moments historiques des anciens albums. Est-ce que c’était quelque chose que tu voulais faire au départ, ou est-ce que c’est quelque chose qui vient parce que c’est Enter Shikari et que c’est ce que vous faites de mieux, tu sais ?

Je suppose un peu des deux. tu sais, je me souviens que ce n’est pas sur le nouvel album, mais je me souviens de l’album précédent. Nothing Is True. Quand nous avons fait Crossing the Rubicon et que j’avais cette parole. « Vous ne pouvez pas revenir en arrière. C’est un labyrinthe. » Et puis nous nous sommes dit : « Oh mon Dieu, que se passerait-il si nous mettions le synthé de la chanson Labyrinth de notre premier album ? » Et c’était comme, ça a marché. C’était comme de la chance. C’était génial. Mais parfois, c’est plus volontaire. Et j’aime construire un univers, nous en sommes à notre septième album studio, donc il y a beaucoup d’histoire, beaucoup de récits. Enter Shikari maintenant et je pense… Je ne sais pas. C’est presque comme la première analogie qui me vient à l’esprit est comme Star Wars. C’est comme retourner sur une planète que vous avez vue dans un film précédent est parfois la chose la plus excitante à faire. Encore plus excitant que d’explorer une nouvelle planète parce que vous avez ce sentiment de nostalgie et ce sentiment d’histoire. Et donc j’aime faire ça avec notre musique, vous savez, faire référence à des morceaux plus anciens et créer ces petits liens entre des nouveaux trucs et des vieux trucs. Et ouais, ça donne l’impression que c’est l’univers de Shikari. Ce ne sont pas juste des albums, vous savez, ils sont tous un peu connectés. Ils évoluent tous.

Oui, bien sûr. C’est un commentaire que j’ai vu sur l’une de vos vidéos hier parce que j’ai revu tous les clips que vous avez sortis au cours des derniers mois, et il y a ce commentaire YouTube que j’ai vu qui disait que c’est une bonne chanson d’Enter Shikari quand ta préférée est toujours la dernière, ce qui, à mon avis, est un peu vrai parce qu’à chaque fois que vous sortez un disque, comme vous l’avez dit, c’est entrelacé avec les autres. Donc ouais, c’est intéressant de voir que ça se suit.

Vraiment génial.

Donc, encore une fois, en revenant à la phase d’écriture de l’album. Quand vous avez sorti le dernier, Nothing Is True. C’était pendant le covid, ce qui était une période difficile, je suppose. Comment le covid a-t-il influencé l’album ?

Eh bien, en gros, j’étais l’un des rares créatifs à ne pas avoir écrit de musique. Je n’étais pas capable d’écrire pendant cette période. C’était très étrange car j’ai écrit constamment depuis l’âge de neuf ans. Et puis soudainement, nous avons eu cette période d’environ un an et demi où je n’ai rien écrit du tout. Je n’avais pas simplement pas l’envie, je n’avais pas l’impression d’en avoir la capacité. C’était vraiment effrayant et déstabilisant. Ce n’est que lorsque nous avons recommencé à jouer des concerts que je me suis reconnecté avec, je suppose, mon cerveau créatif musical. J’ai ressenti ce sentiment de but. J’ai ressenti ce sentiment de connexion humaine. Et rétrospectivement, j’ai réalisé que la connexion humaine, en particulier à travers la musique live, est l’un des principaux carburants pour moi en tant que compositeur et pour Enter Shikari dans son ensemble. Donc, oui, la pandémie a simplement créé cet espace où Enter Shikari a cessé d’exister. Nous ne jouions pas de concerts. Je n’écrivais pas de musique. C’était tout. Et c’était étrange de regarder la mort de son groupe. On se demande alors « qui suis-je maintenant ? Que fais-je ? Cela a été ma vie pour toujours ». L’album, par conséquent, contient beaucoup de recherches personnelles. Il y a beaucoup de tentatives pour découvrir qui je suis. Et peut-être que de cela, les chansons comme la dernière chanson « I Don’t Know You Anymore », « Giant Pacific Octopus » parlent du fait que si on ne sait pas qui on est, c’est plutôt normal car je ne pense pas que quiconque le sache. On peut travailler pour devenir qui on veut être et on peut travailler pour corriger les choses que nous n’aimons pas chez nous. Mais en fin de compte, nous sommes constamment en train de changer. Nous sommes constamment en train d’évoluer. Notre personnalité, notre essence est plutôt fluide. Il y avait beaucoup de choses sur la découverte de soi sur l’album et cela est directement inspiré par mon expérience pendant le confinement.

Oui, c’est quelque chose que je voulais souligner, c’est que je pense que l’album est un peu plus centré sur l’être humain. Avec « Nothing is True », j’ai eu l’impression que c’était un grand regard sur la société et que celui-ci était plus intime. À votre avis, est-ce dû au COVID et au fait que vous avez eu plus de mal à écrire que vous avez eu un album plus intime ?

Je suppose que comme j’ai mis toute mon énergie créative dans l’écriture du livre d’accompagnement pour « Nothing is True », j’ai écrit un traité sur la possibilité pendant le confinement, donc je suppose que tous mes efforts en termes d’analyse de la société plus large ont été consacrés au livre. Cela m’a donc permis de me concentrer lorsque j’ai commencé à écrire de la musique à nouveau sur des expériences plus personnelles et des épiphanies.

Il y a un autre thème que j’ai vu dans l’album, qui est la manipulation. Vous avez la chanson appelée GoldFish. Je pense qu’elle parle de ce thème. Est-ce que cela a quelque chose à voir avec le monde actuel dans lequel nous vivons, avec des fakes news et les réseaux sociaux partout? Y a-t-il un parallèle entre les paroles et la situation actuelle?

Oui, c’est un peu ça. Je suis devenu très fasciné par le sentiment d’impuissance. Quand on ne se sent pas du tout puissant, on a tendance à ne pas être actif. On ne se sent pas activé. On ne sent pas que l’on peut changer quoi que ce soit. Et c’est certainement une sorte de plainte pour les personnes qui ont adopté peut-être plus une mentalité nihiliste. Donc, vous savez, nous avons l’impression de dire: « Qu’est-ce que je peux faire? » Je ne peux rien faire. Je ne peux rien changer comme les problèmes du monde ou quoi que ce soit. Donc, nous dérivons vers la pensée que nous sommes complètement impuissants. Et c’est un état d’esprit vraiment dangereux parce que ceux qui sont au pouvoir, vous savez, les personnes les plus riches et les plus puissantes du monde, ils veulent que nous nous sentions impuissants car ils ne veulent pas que nous changions quoi que ce soit, car ça marche bien pour eux. Ils prennent juste plus de richesse et de pouvoir. Donc oui, il y a une réelle urgence, je pense, à donner du courage aux gens et à les faire se sentir forts. Parce que, je veux dire, c’est essentiellement la métaphore du poisson rouge dans un bol. C’est ce que cela peut ressentir, que nous sommes piégés et complètement seuls. Nous sommes un poisson rouge dans un bol. Alors qu’en réalité, bien sûr, notre vrai pouvoir prend vie quand nous nous rassemblons et que nous nous unissons et que nous demandons du changement et que nous faisons changer les choses et que nous créons et que nous faisons tout ce qui est bon pour l’humanité. Donc voilà, c’était un peu la principale chose avec Goldfish. Juste explorer les sentiments d’impuissance, qui est, je pense, une expérience très largement ressentie en ce moment. Bien sûr.

Dans une interview pour la sortie du premier single, vous avez mentionné que c’était plus ou moins le début d’une nouvelle ère pour Shikari. Comme le deuxième acte de votre groupe. Est-ce que cela a quelque chose à voir avec cette vision unpeu plus nihiliste de la façon dont nous regardons la société ? Ou est-ce que c’est plutôt un renouveau musical que vous ressentez ?

Je pense que c’était principalement musical parce que nous avions, nous avions donc la période de confinement où Shikari a cessé d’exister pendant un an et demi. Et donc quand nous sommes revenus, cela a semblé être un peu une renaissance. Mais nous avions aussi, Luke Morton, un écrivain ici au Royaume-Uni, a écrit notre première biographie, et cela a été une période très intéressante. Nous avons fait beaucoup d’entretiens avec lui et nous regardions constamment en arrière le voyage que nous avons fait au fil des ans, comme pour nous remémorer et regarder à travers l’histoire. Et donc cela a donné l’impression, vous savez, que ce livre se termine au début de cette période d’écriture pour cet album. D’accord. Donc, encore une fois, cela a juste donné l’impression que c’était un gros point final, une période, une fin. Et que c’était le nouveau départ, le nouveau chapitre, le nouvel acte. Donc, oui, il y a eu quelques choses qui se sont produites qui ont juste donné l’impression que c’était un tout nouveau départ pour le groupe.

Cool. Et vous avez commencé il y a quelques semaines à tourner à nouveau avec des spectacles plus intimes à travers l’Europe et le Royaume-Uni. Comment cela fait-il de renouer avec votre public maintenant ? Est-ce que vous sentez que c’est une connexion différente après COVID ?

Il y a définitivement une réelle énergie dans les foules. La première, donc -nous avons fait trois partie de notre tournée-. La première partie, je pense qu’on était encore en rodage. Les concerts étaient bien Ils étaient bons. Mais nous avons eu beaucoup de problèmes techniques. Nous avons eu beaucoup de malchance avec notre équipement, nous étions encore en train de nous habituer aux nouvelles chansons. Nous avons dû réapprendre beaucoup d’autres anciennes chansons. Donc c’était juste beaucoup de choses et je n’étais pas vraiment dans l’instant présent. Je n’étais pas juste capable de les apprécier. Alors que la deuxième partie que nous venons de faire était complètement différente. C’était tellement. Ça a juste coulé tout seul. Vous savez, j’ai l’impression qu’on est au top de notre forme, la symbiose de l’énergie entre nous et le public était juste parfaite. Donc maintenant, j’attends vraiment avec impatience, vous savez, nous avons encore beaucoup de concerts à venir. Nous avons le Japon, l’Allemagne, la Belgique, la troisième partie de la tournée au Royaume-Uni, et puis nous avons évidemment le début de la saison des festivals. Ce sera un excellent début d’année.

Alors, j’ai vu votre concert à Paris il y a quelques mois et j’ai vraiment apprécié, mais ce n’est pas une question. Vous avez donc fait cette tournée avec des artistes émergents comme Cody Frost. Comment voyez-vous la scène actuelle ? Est-il important d’essayer de collaborer avec Wargasm, par exemple, sur les singles et de les rejoindre en tournée ? Est-il important de mettre en avant la nouvelle scène devant les gens ?

En effet, les collaborations sont quelque chose que je n’ai vraiment embrassé que récemment. J’étais toujours assez nerveux à l’idée d’écrire de la musique avec d’autres personnes. Cela a été pour moi une expérience très solitaire. En tant qu’auteur-compositeur, j’écris généralement seul puis je présente mes idées au reste du groupe et nous les développons ensemble. Donc, l’idée d’écrire avec des personnes complètement nouvelles me faisait souvent très peur. Je suis une personne assez anxieuse socialement et l’écriture de musique est pour moi une expérience très émotionnelle. J’écris en fonction de ce que je ressens. Je ne suis pas du tout un auteur-compositeur qui écrit en réaction à la musique qui l’entoure. Il y a deux types d’auteurs-compositeurs : celui qui écrit en réaction à la musique qui l’entoure, et celui qui écrit en fonction de ce qu’il ressent, par instinct. Je fais partie de cette deuxième catégorie. Cela a donc toujours été difficile pour moi de m’ouvrir immédiatement devant des personnes que je ne connais pas vraiment. Cependant, je fais des efforts pour me pousser dans cette direction et je suis très satisfait des résultats. La chanson avec Cody, par exemple, était très agréable à créer. Nous connaissions déjà Cody (Frost) depuis une dizaine d’années et elle a toujours été une grande fan de notre groupe. Je suis ravi qu’elle devienne elle-même artiste et qu’elle dispose maintenant d’un excellent catalogue de musique. Elle a une voix incroyable et ce fut un plaisir de travailler avec elle. Et puis, jouer les chansons en live est génial. Cela ajoute une autre dimension d’énergie lorsque quelqu’un vous rejoint sur scène pour jouer. C’est quelque chose que j’apprécie vraiment.

Alors, c’est plus ou moins un premier essai, car je pense que vous avez réalisé vos premiers clips pour cet album. Comment c’était de tourner deux vidéos en une journée ? Était-ce stressant ?

C’était très stressant. C’était une journée très intense. Je ne sais pas ce qu’on pensait, il y avait beaucoup de plans à abandonner et de choses à faire, mais c’est toujours le cas lors d’un tournage de clip. Si nous avions tourné cette vidéo en une semaine, nous n’aurions toujours pas tout terminé comme nous le voulions. Nous nous sommes donc dit, deux vidéos en une journée, on peut le faire. Surtout parce que pour « Please Set Me On Fire », nous avions beaucoup répété en termes de ce que nous voulions faire et quand. Mais le jour même, nous n’avons fait que trois prises et je pense que nous avons choisi la deuxième, car c’était une vidéo en un seul plan. Ça n’a donc pas pris trop de temps, peut-être une heure et demie ou deux heures avec l’installation et les éclairages. Par contre, « It Hurts » est évidemment une vidéo beaucoup plus compliquée, donc ça a pris la majeure partie de la journée. J’aime beaucoup réaliser des clips, car cela permet d’obtenir plus de détails. En tant qu’auteur-compositeur, je peux traduire les petites choses de la musique dans la vidéo. Alors que si nous confions la chanson à un autre réalisateur, nous devons faire des compromis sur notre vision. Il y a peut-être des choses que nous voulons faire passer, mais il n’y a pas de temps ou le réalisateur ne pense pas que c’est important. C’est donc agréable de faire passer les détails que nous voulons, mais c’était beaucoup de travail.

J’ai une question un peu différente concernant les sujets. Sur « Leap into the Lightning » de l’album, il y a un moment particulier où vous hurlez, je pense que c’est un cri inspiré sur le mot « boil ». En tant que chanteur, je me suis dit « oh ». Ma question est : quelle est votre routine de chant ? Vous entraînez-vous tous les jours ?

Rou: Historiquement, je n’ai pas été très discipliné. Je ne m’entraîne pas vraiment beaucoup. Je n’ai jamais pris de leçons de chant. J’ai appris beaucoup de choses à la dure, comme quand j’ai eu des nodules sur mes cordes vocales lors de l’enregistrement de notre premier album, « Take to the Skies ». C’est pour ça que ma voix sonne différemment sur cet album par rapport aux autres enregistrements. J’ai appris comment utiliser ma voix en faisant des erreurs. Aujourd’hui, la nouveauté pour moi est de réaliser l’importance de l’hydratation, et même de l’ultra-hydratation. S’hydrater la veille d’un jour où l’on doit chanter est vraiment important, puis rester hydraté tout au long de la journée, en buvant au moins quatre litres d’eau. Cela fait une énorme différence pour moi. Ne pas boire d’alcool est également important, car cela assèche les cordes vocales et les fatigue beaucoup plus rapidement. C’est difficile, car en tournée, l’alcool est parfois une béquille qui aide à surmonter la fatigue, la léthargie, le mal du pays ou d’autres difficultés. Les gens se tournent souvent vers l’alcool ou d’autres drogues, il faut donc faire attention. Il est désormais très clair pour moi que je chante beaucoup mieux sans alcool. En ce qui concerne l’échauffement, je chante simplement sur de la musique, je fais ce genre de choses. Je n’ai pas vraiment de procédure ou de routine d’entraînement bien définie.

J’aimerais avoir ton avis sur la question des taxes de merch dans la scène actuelle. Il y a beaucoup de groupes qui se plaignent des lieux qui prennent des taxes sur le merch, et c’est un gros problème, surtout au Royaume-Uni. Quelle est ton opinion là-dessus ?

Euh. Ouais, c’est assez exorbitant. C’est frustrant, je pense. Je me souviens en avoir parlé il y a des années, mais ça n’a pas de sens si l’artiste attire les gens dans le lieu et que le lieu prend une part sur le merch. Alors, sûrement, l’artiste devrait prendre une part du bar, parce que les gens n’achèteraient pas de boissons s’ils ne venaient pas voir le groupe. Donc, je pense qu’il faut soit arrêter de prendre une part sur le merch, soit donner au groupe une part du bar. Ce sont les deux seules façons à peu près rationnelles de procéder, car en ce moment, c’est ridicule, surtout pour les petits groupes. Le merch est souvent le seul moyen de survie pour eux. Si vous êtes un groupe en première partie, vous ne recevez pas un gros cachet. Les gens disent toujours que les tournées sont le seul moyen pour les groupes de gagner de l’argent, mais ce n’est pas vrai si vous êtes un groupe en première partie. Vous ne gagnez pas beaucoup d’argent. Si vous êtes en première partie, vous comptez encore uniquement sur le merch. Alors, pour que le lieu dise, vous savez, qu’ils doivent prendre cette part et qu’ils vous donnent peut-être même une personne qui s’occupe du merch et qui est employée par le lieu. Alors que vous, en tant que groupe, vous avez déjà votre propre personne qui s’occupe du merch, qui connaît mieux votre merch et qui est probablement beaucoup plus enthousiaste et motivée pour vendre votre merch et parler aux fans comme vous voulez que vos fans soient abordés. L’ensemble du système est vraiment absurde et c’est juste un… C’est un classique. C’est un truc classique que… Tu sais, la plupart des entreprises font ça. Ils trouvent toutes les différentes façons de gagner de l’argent. Et c’est juste un truc classique où les grandes salles, qui sont sponsorisées ou détenues par de grandes entreprises, voient que les groupes gagnent de l’argent avec le merch et qu’ils sont autorisés à vendre leur merch dans leur salle. Oh, on devrait leur donner en quelque sorte une taxe pour ça. Ouais, c’est juste très frustrant et ce n’est pas très rationnel ni très moral en ce moment.

Eh bien, merci. Je ne vais pas dépasser le temps imparti. Merci beaucoup pour cette interview. C’était une expérience vraiment sympa.

Non, c’est moi qui te remercie. Merci beaucoup de m’avoir invité.

A kiss From The Whole World

Sortie: 21 juin 2023