Le nouvel album de Kami Kehoe, LOVE IS A WEAPON, est disponible depuis deux semaines maintenant et il était évident que Chair Your Sound allait vous faire une review complète de celui-ci. Alors, cet album : smash ou pass ?
L’album s’ouvre avec la chanson éponyme, LOVE IS A WEAPON, et presque immédiatement, une entrée en matière digne de ce nom avec un premier couplet qui ne lésine pas sur les guitares. Le son saturé s’accompagne divinement avec la voix de la chanteuse et nous comprenons bien vite qu’ici, on parle de la manière dont l’Amour au sens propre du terme peut à la fois être une force puissante mais destructrice. Ici se mélange la complexité de devoir tenir bon malgré des circonstances qui nous poussent dans nos retranchements, allant jusqu’à questionner sa propre foi et ses croyances. On peut facilement comprendre que Kami fait référence aux cœurs purs qui se voient mis à rude épreuve par des personnes qui cherchent à abuser de leurs privilèges et de l’Amour dont ces personnes peuvent faire preuve. Je peux facilement dire qu’après une écoute complète, cette chanson est, non seulement digne d’une ouverture divine mais en plus, une de mes préférées de mon album.
La seconde chanson s’appelle SEE URSELF A GOD et elle s’inscrit dans la continuité de LOVE IS A WEAPON, principalement car elle parle du conflit qui intervient entre deux personnes qui viennent de se séparer pour une raison quelconque. Qu’importe le type de relation, quand une histoire se termine, il y a toujours deux versions, cependant, la partie la plus à tort est souvent celui qui s’amusera à chercher une défense quelconque. Et c’est bien véridique : personne ne cherchera plus à ternir la réputation de quelqu’un que le fautif de l’histoire. Ça décrit ouvertement une relation abusive dans laquelle il y avait un déséquilibre évident : c’est d’ailleurs intéressant que celle-ci succède directement à LOVE IS A WEAPON puisque ce sont souvent les âmes les plus pures qui tombent dans le piège des manipulateurs. Musicalement parlant, on est sur quelque chose d’extrêmement puissant qui pourrait presque être une représentation musicale de la rage. Rage contre la personne mais aussi contre soi-même pour être tombé dans un piège aussi facilement.
La chanson suivante est LOST et là, on change de ton. Plus de colère, de rage, de questionnement, mais bien sur la phase de remise en question. La nostalgie, l’envie de revenir en arrière pour corriger ce qui aurait pu, « et si? », … tous les sentiments qui suivent la fin d’une relation qui s’est terminée tragiquement. C’est comme ça qu’on comprend rapidement que l’album couvre réellement les diverses étapes du deuil, qui s’appliquent également au relationnel. Troisième chanson qui fait directement référence à la troisième étape : le marchandage, qui suit directement l’étape du déni et de la colère – ce qui peut s’appliquer directement respectivement à la première et dernière chanson. Kami exprime parfaitement ce ressenti, elle met des mots sur des choses qu’il est difficile d’expliquer mais d’une certaine manière, elle trouve le moyen de souligner toute la complexité de cette période que nous avons tous traversée.
Et c’est parce qu’on repère ce schéma que nous ne sommes pas réellement surpris de voir que la chanson UR GONE, quatrième de cet album, couvre l’étape de la dépression. Kami déclarait d’ailleurs que cet album correspondait justement aux diverses étapes du deuil et de tout ce que nous pouvons ressentir face à l’Amour au sens large du terme. À quel point celui-ci peut être un sentiment puissant mais aussi destructeur.
SICK débute, et nous avons d’office une chanson digne de ce dérivé du metalcore : du baddiecore. La sensualité est présente dans ce son, qui mélange des tonalités fortes avec une atmosphère feutrée, sombre, contrastant avec la voix douce d’la chanteuse. Cette chanson pourrait être un ovni, parce que la vérité, c’est qu’elle me fait foncièrement penser à une chanson que Dove Cameron aurait pu écrire – et c’est un compliment car j’adore Dove. Si le contraste pourrait être surprenant, elle fait pourtant totalement sens puisqu’il s’agit ici d’une chanson sous le point de vue d’un pseudo egotrip reprenant la cinquième et dernière étape du deuil ; l’acceptation. Pas nécessairement que tout va pour le mieux, mais bien du fait que le mal est fait, qu’il faut l’accepter et surtout accepter qu’il faut s’accorder du temps pour guérir.
On peut souvent dire dès les premières chansons si un album est prometteur et celui-ci commence par un sans-faute. On peut donc enchaîner confiant avec la première chanson que nous connaissions avant la sortie de l’album, DIRTY. Nous ne sommes plus dans les étapes du deuil mais plutôt dans la reconstruction de relation, et cette chanson évoque la manière dont les blessures passées peuvent nous avoir impactés. Le premier couplet démontre d’ailleurs un inversement des tendances : « I′ve been known for messing up things, And I don’t want to ruin you, baby […] I′m so bad, so filthy But you′ve been so good to me, yeah » ( « Je suis connue pour tout foutre en l’air et je ne veux pas te ruiner bébé […] Je suis mauvaise, obscène, mais tu as été si bonne avec moi. ») Le rôle du prédateur et de la proie semble inversé, comme si la personne vulnérable de la première chanson devenait soudainement tout ce qu’elle a tenté de combattre.
LOSE ALL FEELINGS débute, et très vite, nous changeons encore de DA musicale. Ici, on parle de la sensation d’euphorie que nous cherchons à retrouver après avoir été brisé et avoir l’impression d’être complètement désinhibés de toutes sensations : le cœur a été tellement brisé, l’esprit tellement bousillé qu’au final, nous sommes aseptisés à la douleur. Ainsi, on tente tout pour essayer de retrouver un semblant de sensation, quitte à aller à l’encontre de nos propres principes, quitte à risquer d’avoir mal : parce que ce qui ressort dans cette chanson, c’est qu’avoir mal est toujours mieux que de ne rien ressentir.
NO ONE BUT U représente le renouveau. Parce qu’ici, on parle du renouveau, des sentiments qui refont surface dans une nouvelle relation : mais qui restent impactés par les blessures passées. Une retenue s’applique malgré tout, principalement par peur de repartir dans le cercle vicieux du deuil. « I was done with love. One kiss, you saved me. I′ll give you my heart but don’t you break me » (« J’en avais fini avec l’amour. Un baiser, tu m’as sauvé, je te donnerais mon coeur mais ne me brise pas. »)
CRASHOUT débute, et celle-ci exprime le fantôme du passé qui reste là, qui plane, qui remet tout en doute, comme si nous étions interdits au bonheur, comme si le but du coupable était de nous laisser nous enfoncer dans notre malheur et d’y rester. Ça fait ressortir l’aspect manipulateur, les fragilités qui ont été causées par l’abuseur et qui refont surface – et si le thème reste assez évident, il est d’autant plus clair quand nous avons l’album complet.
La chanson suivante est HEARTLESS, qui elle est également sortie il y a quelques mois. Ici on parle de reconstruction fragile après avoir vu son cœur être brisé. L’appréhension de souffrir si l’on ouvre de nouveau son cœur. Ce sont les débuts fragiles d’un renouveau qui s’accompagne de tous les doutes possibles et inimaginables. La confiance qui s’accorde de nouveau, l’attachement qui renaît. Le moment de doute, de peur, et celui où il ne faut surtout pas écouter ses propres démons. Mélodiquement, nous avons ici une balade, comme si ça revenait à lâcher les armes, à abandonner et à accepter la situation. Elle ouvre son cœur, montre sa vulnérabilité.
PSYCHO, sortie également il y a quelques mois, débute et nous avons ici un retour de rage au sens propre du terme. Ici, on parle de nouveau de cette ancienne relation dont Kami évoquait d’ailleurs à quel point son partenaire ne l’aimait pas réellement mais voulait juste la contrôler. Et c’est exactement toutes les émotions qui suivent une telle réalisation que nous ressentons face à ces paroles et à cette chanson. Nous avons d’ailleurs un clip qui retranscrit tout aussi bien l’euphorie que ce genre de création peut créer, qui se conclut souvent par une rage et un dégoût, presque dirigés à notre encontre pour être tombés dans un tel piège.
S’enchaîne ensuite HEART ATTACK, et nous sommes de nouveau sur une balade. Ici, le deuil est le thème, et c’est surtout le moment où elle dresse cette limite entre elle et la personne lui ayant causé du trouble. L’acceptation, de nouveau, qu’au final, cette relation ne mènera nulle part, que les moments de douleur sont trop présents. « Once you go, there’s no coming back » (« Une fois que tu pars, il n’y a pas de retour ») qui invite à la fermeture définitive de cette porte : elle se choisit enfin.
Les balades s’enchaînent tandis que c’est au tour de SUFFERING de se faire entendre et cette fois, c’est de nouveau une renaissance qui s’inscrit dans cette chanson. Renaissance d’une nouvelle relation, de ces diverses sensations et de ce désir de se connecter avec quelqu’un mais qui hélas, se conclut inlassablement par un auto-sabotage. Elle n’est pas bien pour être avec quelqu’un, mais elle le veut ; ça évoque le cercle vicieux. Être tombée si bas, ne plus avoir confiance en soi-même mais aussi envers les autres. Cette envie de cacher sa vulnérabilité mais d’avoir inlassablement besoin de quelqu’un pour essayer d’avancer. C’est l’étape douloureuse de la reconstruction, où l’on réapprend à se connaître.
L’armure tombe définitivement, l’Amour renaît et avec ça la relation. La flamme repart et c’est exactement ce que THE END évoque. Les doutes d’une nouvelle relation mais la confirmation qu’au final, ces sentiments sont là, la promesse d’un futur radieux, d’être la meilleure version de soi-même même dans les instants les plus douloureux. « Baby, I’ll do everything I said. I’ll make it real and not just in our heads, I can see us make it ’til the end. » (« Bébé, je ferai tout ce que j’ai dit. Je rendrai ça réel, et pas juste dans nos têtes. Je peux nous voir arriver jusqu’à la fin. ») Elle promet qu’elle ne reproduira pas les schémas qui furent appliqués sur elle, qu’elle travaillera contre sa propre peur et douleur et qu’elle s’accrochera à l’être aimé, fera tout pour que ça marche. C’est d’ailleurs toujours une de mes préférées de cet album.
INTERNALLY BLEEDING évoque finalement la Fin relationnelle, et c’est peut-être aussi la plus puissante dans ce thème, aussi car c’est celle qui vient clôturer notre album. Parce qu’ici, en plus de la douleur de réaliser que l’on est seule, il y a une certaine part de résilience. La douleur est là, et elle est vive, la reconstruction sera longue cependant, une phrase, une phrase attire mon attention : « And after all this love, I’m defeated, internally bleeding on my own. I’m better alone. » (« Et après tout cet amour, j’abandonne. Je saigne intérieurement, je suis mieux seule. ») Malgré la douleur, malgré la crainte, l’envie d’évoluer et d’aimer, rester seule, au moins le temps d’la guérison est peut-être le plus beau cadeau que l’on puisse se faire.
Mais en finalité, l’album vaut quoi ?
Une masterpiece au sens propre du terme et peut-être une de mes sorties préférées de 2026. Kami Kehoe a sorti un album auquel nous pouvons tous nous identifier pour avoir déjà vécu des deuils amoureux, avec ses bas, ses hauts, sa résilience et sa rechute. Je dirais que le message principal est simplement de ne pas se détruire, ne pas s’en vouloir. L’Amour est un sentiment destructeur mais c’est aussi un des plus beaux qu’il puisse y avoir et que nous sommes capables de vivre. Certains en abuseront, comme c’est explicite ici, mais parfois, dans l’océan macabre, il y aura des lumières auxquelles se raccrocher. Mais surtout, ne pas s’abandonner et se perdre sous prétexte de. Nous pouvons simplement souligner une chose, qui peut-être servira de leçon de morale : ou peut-être pas. C’est pas supposé être compliqué. Ce n’est pas supposé être une arme, tournée pour détruire quelqu’un. C’est une belle leçon, une belle histoire à écouter, un album qui raconte une certaine narrative qu’il est important d’entendre : mais surtout, si la personne vous aime vraiment, alors elle ne vous fera pas souffrir. (Sur une note à part, elle risque d’être la cause de beaucoup de ruptures mais pour tout dire, à juste titre. Ne nous limitons pas au minimum, au contraire, parce que quelqu’un qui vous aimera vraiment se pliera en quatre pour vous.)
TRACKLIST :
01. LOVE IS A WEAPON
02. SEE URSELF AS GOD
03. LOST
04. UR GONE
05. SICK
06. DIRTY
07. LOSE ALL FEELINGS
08. NO ONE BUT U
09. CRASHOUT
10. HEARTLESS
11. PSYCHO
12. HEART ATTACK
13. SUFFERING
14. THE END
15. INTERNALLY BLEEDING
[ENGLISH VERSION]
Kami Kehoe‘s new album, LOVE IS A WEAPON, has been available for two weeks now, and it was obvious that Chair Your Sound was going to bring you a full review of it. So, this album: smash or pass?
The album opens with the title track, LOVE IS A WEAPON, and almost immediately, an introduction worthy of the name, with a first verse that doesn’t hold back when it comes to guitars. The saturated sound blends beautifully with the singer’s voice, and we quickly understand that here, we’re talking about the way Love, in the literal sense of the word, can be both a powerful but destructive force. Here, the complexity of having to hold on despite circumstances that push us to our limits mixes with the questioning of one’s own faith and beliefs. We can easily understand that Kami is referring to pure hearts being put through the wringer by people who seek to take advantage of their privileges and the Love these people are capable of showing. I can easily say that after a full listen, this song is not only worthy of a divine opening, but also one of my favorites from the album.
The second song is called SEE URSELF A GOD and it follows in the footsteps of LOVE IS A WEAPON, mainly because it talks about the conflict that happens between two people who have just broken up for whatever reason. No matter the type of relationship, when a story ends, there are always two versions. However, the person most in the wrong is often the one who will try to find some kind of defense. And it’s very true: no one will try harder to tarnish someone’s reputation than the person at fault in the story. It openly describes an abusive relationship in which there was an obvious imbalance: it’s also interesting that it comes directly after LOVE IS A WEAPON, since it is often the purest souls who fall into the trap of manipulators. Musically speaking, we’re dealing with something extremely powerful that could almost be a musical representation of Rage. Rage against the person, but also against oneself for falling into such an easy trap.
The next song is LOST, and here, we change tone. No more anger, rage, questioning, but rather the phase of self-reflection. The nostalgia, the desire to go back in time to fix what could have been, the « what if? », … all the feelings that follow the end of a relationship that ended tragically. This is how we quickly understand that the album truly covers the different stages of grief, which also apply to relationships. The third song directly references the third stage: bargaining, which directly follows the stages of denial and anger – which can respectively be applied to the first and second songs. Kami perfectly expresses this feeling, putting words to things that are difficult to explain, but somehow, she finds a way to highlight the entire complexity of this period that we have all gone through.
And it’s because we can spot this pattern that we’re not really surprised to see that the fourth song on this album, UR GONE, covers the stage of Depression. Kami also stated that this album corresponded precisely to the different stages of grief and everything we can feel when it comes to Love in the broadest sense of the word. How powerful it can be as a feeling, but also how destructive.
SICK begins, and right away, we have a song worthy of this metalcore offshoot: baddiecore. Sensuality is present throughout this track, which mixes strong tones with a dark, soft atmosphere, contrasting with the singer’s gentle voice. This song could be an UFO, because the truth is, it genuinely makes me think of a song Dove Cameron could have written – and that’s a compliment because I love Dove. If the contrast could be surprising, it actually makes perfect sense since this is a song from the point of view of a pseudo-egotrip, taking on the fifth and final stage of grief: acceptance. Not necessarily that everything is going well, but rather accepting that the damage is done, and above all, accepting that you need to give yourself time to heal.
You can often tell from the first few songs if an album is promising, and this one starts off without a single mistake. So we can move forward confidently with the first song we already knew before the album’s release, DIRTY. We’re no longer in the stages of grief, but rather in the reconstruction of a relationship, and this song evokes the way past wounds may have impacted us. The first verse actually shows a reversal of the dynamics: « I′ve been known for messing up things, And I don’t want to ruin you, baby […] I′m so bad, so filthy But you′ve been so good to me, yeah » The role of predator and prey seems to be reversed, as if the vulnerable person from the first song suddenly became everything they had tried to fight against.
LOSE ALL FEELINGS begins, and very quickly, we change musical direction again. Here, we’re talking about the feeling of euphoria that we try to find again after being broken and feeling completely uninhibited from all sensations: the heart has been broken so badly, the mind so messed up that, in the end, we become numb to pain. So, we try everything to regain some semblance of feeling, even if it means going against our own principles, even if it means risking getting hurt: because what comes through in this song is that feeling pain is always better than feeling nothing.
NO ONE BUT U represents renewal. Because here, we’re talking about renewal, about feelings resurfacing in a new relationship, but still being impacted by past wounds. There is still a certain restraint, mainly out of fear of falling back into the vicious cycle of grief. « I was done with love One kiss, you saved me I′ll give you my heart But don’t you break me »
CRASHOUT begins, and it expresses the ghost of the past that remains there, that lingers, that makes us question everything, as if we were forbidden from happiness, as if the culprit’s goal was to let us sink deeper into our misery and stay there. It brings out the manipulative aspect, the fragilities caused by the abuser resurfacing – and while the theme remains quite obvious, it becomes even clearer when you have the full album.
The next song is HEARTLESS, which was also released a few months ago. Here, we’re talking about fragile reconstruction after having seen your heart broken. The fear of suffering if you open your heart again. These are the fragile beginnings of a renewal accompanied by every possible doubt imaginable. Trust being given again, attachment being reborn. The moment of doubt, of fear, and the moment when you absolutely shouldn’t listen to your own demons. Melodically, we have a ballad here, as if it were about putting down the weapons, giving up and accepting the situation. She opens her heart, shows her vulnerability.
PSYCHO, also released a few months ago, begins, and here we have a return of Rage in the literal sense of the word. Here, we’re once again talking about this past relationship, which Kami also mentioned when discussing how her partner didn’t actually love her, but simply wanted to control her. And it is exactly all the emotions that follow such a realization that we feel through these lyrics and this song. We also have a music video that conveys the euphoria that this kind of creation can generate just as well, often ending in rage and disgust, almost directed at ourselves for having fallen into such a trap.
HEART ATTACK follows, and once again, we’re on a ballad. Here, grief is the theme, and it is especially the moment where she draws this boundary between herself and the person who caused her harm. The acceptance, once again, that in the end, this relationship will lead nowhere, that the moments of pain are too present. « Once you go, there’s no coming back », inviting the definitive closure of this door: she finally chooses herself.
The ballads continue as it is time for SUFFERING to be heard, and this time, it is once again a rebirth that takes place within the song. The rebirth of a new relationship, of these different feelings and this desire to connect with someone, but which unfortunately ends, again and again, in self-sabotage. She isn’t in a good place to be with someone, but she wants to; it evokes the vicious cycle. Having fallen so low, no longer trusting yourself but also no longer trusting others. This desire to hide your vulnerability while constantly needing someone to try to move forward. This is the painful stage of reconstruction, where we learn to know ourselves again.
The armor finally falls, Love is reborn, and with it, the relationship. The flame starts burning again, and that is exactly what THE END evokes. The doubts of a new relationship, but the confirmation that, in the end, these feelings are there, the promise of a bright future, of becoming the best version of yourself even during the most painful moments. « Baby, I’ll do everything I said. I’ll make it real and not just in our heads, I can see us make it ’til the end. » She promises that she won’t reproduce the patterns that were inflicted upon her, that she will work against her own fear and pain, and that she will hold on to the person she loves, doing everything she can to make it work. This is, by the way, still one of my favorites from this album.
INTERNALLY BLEEDING ultimately evokes the end of the relationship, and it may also be the most powerful one when it comes to this theme, partly because it is the one that closes our album. Because here, on top of the pain of realizing that you are alone, there is also a certain sense of resilience. The pain is there, and it is vivid, the reconstruction will be long, however, one sentence, one sentence catches my attention: « And after all this love, I’m defeated, internally bleeding on my own. I’m better alone. » Despite the pain, despite the fear, the desire to grow and love, staying alone, at least while healing, may be the greatest gift we can give ourselves.
But ultimately, what is the album worth?
A masterpiece in the literal sense of the word and perhaps one of my favorite releases of 2026. Kami Kehoe has released an album that we can all relate to if we have already experienced heartbreak, with its lows, its highs, its resilience and its relapse. I would say that the main message is simply not to destroy yourself, not to blame yourself. Love is a destructive feeling, but it is also one of the most beautiful feelings there is and one that we are capable of experiencing. Some people will abuse it, as is made explicit here, but sometimes, in the macabre ocean, there will be lights to hold on to. But above all, don’t abandon yourself and lose yourself under the pretext of. We can simply highlight one thing, which may serve as a moral lesson – or maybe not. It’s not supposed to be complicated. It’s not supposed to be a weapon, turned towards destroying someone. It’s a beautiful lesson, a beautiful story to listen to, an album that tells a certain narrative that is important to hear: but above all, if someone truly loves you, then they won’t make you suffer. (On a side note, it might be responsible for a lot of breakups, but honestly, rightfully so. We shouldn’t settle for the bare minimum; quite the opposite, because someone who truly loves you will bend over backwards for you.)
