[VERSION FRANÇAISE]
Le nouvel opus ANGELS CALLING de Solence sorti le 31 octobre via Better Noise Music marque un nouveau tournant : oscillant entre métissage de métal moderne, électro et refrains calibrés pour le live, il affirme une voix plus déterminée que jamais. Le groupe lui-même l’avoue : « la vie est trop courte pour s’enliser dans le doute ; faisons chaque jour compter. » L’ambition est claire : fédérer par la tension et l’espoir, au-delà du simple écrasement sonore.
Angels Calling
Le morceau d’ouverture pose l’intention : un mélange de riffs acérés, batterie claquante et synthés qui soulignent un chant déterminé. Les paroles évoquent l’urgence de “vivre à fond” avant que l’appel ne survienne. Musicalement, le titre combine une structure propulsive, couplets rapides, refrain expansif, et un break électro renforçant cette idée de “moment à saisir”.
Monsters In My Head
Ce titre plonge dans le combat intérieur : “l’histoire d’une lutte contre ses propres pensées et ses démons.” rappelle le chanteur. L’intro surprend par sa douceur (acoustique et posée) avant que la tension ne revienne de façon brutale, cri, riff pénétrant, batterie galopante. Le contraste entre calme et explosion incarne le sujet : les démons de l’esprit que l’on tente d’étouffer avant qu’ils ne refassent surface.
Where Were You..?
Une réflexion sur l’abandon, le vide laissé par une absence au moment crucial. Le morceau se construit autour d’un tempo élevé, d’un refrain accrocheur et d’un breakdown lourd, marqué par une production moderne et rebelle. La dualité entre rythme affirmé et thème intime fait son effet.
MESS
Ce titre affiche sans détour son chaos maîtrisé. Ici, les guitares saturées, la batterie insistante, les claviers électro se combinent dans une ambiance presque pop-métal, rappelant certains rythmes des années 2000. Les paroles parlent de défiguration émotionnelle : “we’re a mess, but at least we move”. Le ton est franc, direct, sans fard.
<alive
Court interlude, cet instant presque suspendu joue sur l’acoustique : une respiration dans l’album. Il prépare le terrain pour le morceau suivant. On y entend guitare douce, comme un moment d’éclaircie avant la tempête à venir. On ne peut pas dire que ce soit la pièce fondamentale, mais elle participe au déroulé global avec subtilité et est une belle respiration dans cet album.
Dead_Alive
Le titre oppose mortification et énergie : “walking around like we’re dead alive”. On y sent un monde qui brûle sans réaction apparente, et la musique le traduit par un début calme faisant la suite logique du morceau <Alive, puis un changement radical : riffs rapides, cris, solos flamboyants. Le refrain martèle la vie qui persiste malgré tout. Un rappel qu’il faut agir.
Wish You The Worst
Un “fuck you” assumé. Le groupe évoque ce titre comme une explosion de frustration :
« some people just want to destroy everything around them… this song is for them. »
Le rythme est plus dansant, presque provocateur ; les guitares gardent de l’agressivité mais l’ambiance glisse vers une forme de catharsis réjouissante. Le thème : tourner la page, plus que ruminer.
Dangerous To Love
Ce titre explore l’amour comme un territoire fragile et risqué. Les paroles mettent en avant le mélange d’attirance et de peur, de désir et de vulnérabilité, donnant au morceau une tension constante. Musicalement, Solence joue sur le contraste : le couplet se construit sur un rythme posé, presque suspendu, avec une instrumentation minimaliste qui laisse respirer le chant, tandis que le refrain explose avec des guitares claires et une rythmique plus affirmée. Ce va-et-vient entre retenue et intensité reflète parfaitement le thème de l’album : vivre pleinement, même quand les émotions semblent difficiles à gérer.
All of the Pain Must Go
Moment de libération. Le ton est plus grandiose, presque hymnique. On y entend des chœurs, un solo, une structure élevée. Les paroles parlent de surmonter, de reconquête. Le morceau agit comme un passage de respiration après les tensions précédentes, tout en renforçant le fil conducteur de l’album sur le thème de l’affirmation de soi et du moment présent. La musique se fait expansive, comme un tournant avant la conclusion.
Angels vs Demons
Clôture symbolique. Le morceau reprend motifs du début (piano, voix isolée) avant de se transformer en crescendo massif, cloches, chœurs, explosions sonores. Le thème : la dualité en nous et autour de nous, lumière et obscurité, et l’appel à faire un choix, à bouger. Un bon final qui laisse l’auditeur prêt à relancer l’album.
Conclusion
Avec ANGELS CALLING, Solence livre un album cohérent et engagé : chaque piste explore un aspect du combat, contre le temps, contre soi, contre le silence des autres. Musicalement, le quatuor Suédois (basé à Los Angeles) conjugue énergie brute et refrains mémorables, riffs lourds et clés électro, tout en offrant des instants plus calmes qui renforcent l’impact général.e groupe qui semble avoir gagné en assurance, l’album ne repose pas sur ses acquis et trace une voie déterminée vers un avenir prometteur.
Tracklist
Angels Calling
Monsters In My Head
Where Were You..?
MESS
<alive
Dead_Alive
Wish You The Worst
Dangerous To Love
All of the Pain Must Go
Angels vs Demons
[ENGLISH VERSION]
Solence’s latest album, released on October 31 through Better Noise Music, signals a new turning point: blending modern metal, electronic elements, and live-ready choruses, it asserts a more determined voice than ever. As the band themselves put it, “life is too short to get stuck in doubt; let’s make every day count.” The ambition is clear: to unite through tension and hope, beyond mere sonic impact.
Angels Calling
The opening track sets the tone: a mix of sharp riffs, snapping drums, and synths that underscore a resolute vocal delivery. The lyrics evoke the urgency of “living fully” before the call comes. Musically, it combines a propulsive structure with fast-paced verses, expansive choruses, and an electronic break emphasizing the idea of a “moment to seize.”
Monsters In My Head
This track dives into inner struggle: “a story about fighting your own thoughts and demons,” the singer explains. The intro surprises with its calm acoustic sound before tension bursts back violently — screaming vocals, piercing riffs, galloping drums. The contrast between tranquility and explosion perfectly embodies the theme: the mental demons we try to suppress before they resurface.
Where Were You..?
A reflection on abandonment, the emptiness left by absence at a critical moment. The song is built around a high tempo, a catchy chorus, and a heavy breakdown, marked by modern, rebellious production. The duality between assertive rhythm and intimate subject matter makes a strong impact.
MESS
This track unapologetically showcases controlled chaos. Saturated guitars, insistent drums, and electro keys blend into a nearly pop-metal vibe, recalling some early-2000s rhythms. Lyrically, it addresses emotional disfigurement: “we’re a mess, but at least we move.” The tone is blunt, direct, and unvarnished.
<alive
A short interlude, this almost suspended moment relies on acoustic elements: a breath in the album’s flow. It prepares the ground for the following track, featuring soft guitar, a brief clearing before the storm. While not essential, it subtly contributes to the album’s overall pacing and offers a welcome pause.
Dead_Alive
The track juxtaposes death and energy: “walking around like we’re dead alive.” It evokes a world burning without apparent reaction, translated musically from the calm intro that follows <alive into a radical shift: fast riffs, screams, and blazing solos. The chorus drives home the persistence of life, a reminder that action is necessary.
Wish You The Worst
A full-on “fuck you.” The band describes it as an explosion of frustration:
“some people just want to destroy everything around them… this song is for them.”
The rhythm is more danceable, almost provocative; guitars retain aggression, but the atmosphere leans into a cathartic release. The theme: turning the page rather than brooding.
Dangerous To Love
This track explores love as a fragile, risky terrain. Lyrics highlight the blend of attraction and fear, desire and vulnerability, creating constant tension. Musically, Solence plays on contrast: verses are calm, almost suspended, with minimal instrumentation to let the vocals breathe, while choruses erupt with bright guitars and more assertive rhythms. The push-and-pull between restraint and intensity mirrors the album’s central theme: living fully, even when emotions feel hard to manage.
All of the Pain Must Go
A moment of liberation. The tone is grand, almost hymn-like, featuring choirs, a solo, and elevated structure. Lyrics speak of overcoming and reclaiming power. The track offers a breather after prior tensions, while reinforcing the album’s thread of self-assertion and living in the moment. The music expands, marking a turning point toward the conclusion.
Angels vs Demons
A symbolic closer. The track revisits motifs from the beginning (piano, isolated vocals) before building into a massive crescendo with bells, choirs, and sonic explosions. The theme: duality within and around us, light and darkness, and the call to make a choice, to act. A fitting finale that leaves listeners ready to press play again.
Conclusion
With ANGELS CALLING, Solence delivers a coherent and engaged album: each track explores a form of struggle — against time, against oneself, against others’ silence. Musically, the Swedish quartet (based in Los Angeles) blends raw energy with memorable choruses, heavy riffs with electronic accents, while also offering quieter moments that heighten the overall impact. The band appears more confident than ever, and the album doesn’t rest on past achievements and charts a determined path toward a promising future.
